En esta edición de Universidad Criterion reseño cuatro de los más recientes lanzamientos de The Criterion Collection que no podrían ser más diferentes.

Tenemos Le Havre, comedia del 2011 dirigida por Aki Kaurismäki que fue un éxito en los festivales; Umberto D., una de las grandes obras del neorrealismo italiano del reconocido cineasta Vittorio De Sica; Lonesome, filme mudo de 1928 que fue de los primeros en experimentar con el sonido y el color en el medio; y por último, Weekend, uno de los mejores romances que se han llevado al cine en los últimos años y el cual mencioné como una de mis cintas favoritas del año pasado.

Así que pónganse cómodos que esto va para largo.

Le Havre

Hace unos diez años, en el antiguo San Juan Cinemafest, tuve la oportunidad de ver The Man Without a Past, de Kaurismäki. Confieso que no quedé nada impresionado por el director finlandés, pero este era el único marco de referencia que tenía cuando me senté a ver su más reciente filme, Le Havre.

La cinta presenta una pequeña y simple historia marcada por un sentido del humor bastante tenue e inexpresivo que quizá requiere de un paladar cinematográfico más sofisticado que el mío para apreciarlo plenamente, pero aún así me la disfruté.

André Wilms interpreta a “Marcel Marx”, un viejo lustra zapatos que vive en el pueblito portuario de Le Havre, donde un día se topa con un niño africano que llegó ilegalmente al área y decide proveerle asilo, esto a pesar de que ya tiene suficientes cosas por las cuales preocuparse en su vida. “Marcel” esconde al muchacho de un detective que anda al acecho de inmigrantes ilegales mientras trata de dar con los familiares del joven y recaudar suficiente dinero para transportarlo a donde se encuentran.

La trama, como dije, es sencilla y naturalmente muy europea en su enfoque, pero son los coloridos habitantes de Le Havre quienes le dan vida. Las interacciones entre “Marcel”, su esposa y sus vecinos son pintorescas y abre una ventana hacia este mundo que -al menos visualmente- aparenta haberse quedado congelado en la década del 60. El conflicto se resuelve con facilidad y sin mayores complicaciones, ofreciendo nada más que una agradable distracción protagonizada por amenos personajes.

Presentación audiovisual

La exquisita cinematografía de Timo Salminen, que posee una rica estética que parece haber sido sacada de fotografías de los años 60, es reproducida a la perfección en esta excelente presentación en su formato original 1.85:1 en resolución 1080p. El nivel de detalle es sorprendente, particularmente en los planos cerrados, mientras que los colores saltan de la pantalla y enriquecen la experiencia.

La pista de audio en francés 5.1 DTS-HD Master se aprecia sin problemas. Durante la mayoría de la película el canal central es el más utilizado, pero una vez se llega a la escena del concierto, el resto de los canales cobran vida y te envuelven en el ambiente.

Extras

Le Havre at Cannes reproduce la conferencia de prensa que se llevó a cabo en la edición del 2011 del Festival de Cannes. En ella participaron Kaurismaki y el productor del filme.

El protagonista de Le Havre, Andre Wilms, fue entrevistado por Criterion en abril de este año con motivo del lanzamiento del largometraje. En la entrevista, de 14 minutos, el actor habla sobre su relación con el director y el papel que interpreta.

El disco incluye un episodio del programa de televisión finlandés Mansikkapaikka en el que realizaron una entrevista a fondo a la actriz Kati Outinen. En ella discute sus colaboraciones con Kaurismaki.

Little Bob in Concert presenta dos números musicales interpretados por la banda que figura en el filme.

Por último, tenemos el tráiler de Le Havre y un panfleto con un ensayo por Michael Sicinski y una entrevista a Kaurismaki.

Umberto D.

Tan conmovedora como la que es considerada su obra maestra, Bycicle Thieves, pero con un final más esperanzador, el cineasta Vittorio De Sica nos vuelve a sumergir en la Italia post Segunda Guerra Mundial a través de los ojos de un anciano que está a punto de perder su residencia.

Carlo Battisti encarna a “Umberto Domenico Ferrari”, uno de los muchos pensionados que al principio de largometraje participa de una manifestación en contra del gobierno por retenerles sus pensiones. Su único amigo es su perro, Flike, con quien comparte un apartamento alquilado del cual será desahuciado si no consigue el dinero para pagar la renta.

De Sica elabora una historia humanista alrededor de este conflicto al presentarnos a un hombre que muy bien podría quedarse desamparado, pero igual está pendiente al bienestar del prójimo, como por ejemplo una de las sirvientas de su complejo de vivienda, quien quedó embarazada por uno de dos soldados que no desean hacerse responsables.

“Umberto” incluso se desvive por Flike y gasta el poco dinero que tiene en rescatarlo de una perrera. En una de las escenas más conmovedoras, lo vemos sacrificar su dignidad momentáneamente para pedir en la calle, con su fiel amigo a su lado haciendo lo mismo. Pero contrario a Bycicle Thieves, Umberto D. culmina con un poco de luz al final del túnel. Aún dentro del tétrico panorama, “Umberto” halla consuelo en el llamado “mejor amigo del hombre”.

Digamos que si usted es un amante de los caninos, los últimos 20 minutos de Umberto D. le estrujarán el corazón.

Presentación audiovisual

Umberto D. se presenta aquí en su formato original 1.37:1 en resolución 1080p que permite apreciar la excelente cinematografía en blanco y negro, rica en una amplia gama de tonos grisáceos. El nivel de detalle es impresionante durante gran parte de la copia, con tan sólo algunas escenas compuestas por tiros largos en las que el contraste sufre un poco.

El disco sólo incluye una pista de audio, en italiano PCM Mono, con bastante claridad para la época y la práctica italiana de doblar el diálogo.

Extras

El documental para televisión That’s Life: Vottorio De Sica resume en poco menos de una hora la carrera profesional del cineasta italiano, desde sus inicios frente a las cámaras como actor hasta convertirse en uno de los directores más respetados de su época.

La actriz María Pía Casilio habla sobre su relación con De Sica en una entrevista del 2003, de 12 minutos

El tráiler del filme también se incluye en el disco mientras que el panfleto de 17 páginas contiene un ensayo del crítico Stuart Klawans, otro del protagonista Carlo Battisti y una reflexión del propio De Sica acerca del largometraje.

Lonesome

Creído perdido durante décadas, este pequeño tesoro de la época dorada de Hollywood, dirigido por Paul Fejos, fue restaurado recientemente junto a otras de las obras del cineasta que ahora se incluyen en este disco.

Contando una simple historia de amor que surge a lo largo de un día, Lonesome resultará fascinante para toda persona que desee transportarse visualmente a la ciudad de Nueva York de los años 20. El filme mayormente mudo funciona como una perfecta cápsula del tiempo que abandona los típicos rodajes hechos estudio de esa época y nos presenta La Gran Manzana tal cual se veía en esos años.

Hay incluso unos tiros de cámara que sorprenden por su astucia, como las tomas desde la parte delantera de un tren elevado y las que se captan desde el primer carrito de la montaña rusa de Coney Island. El oportuno romance que nace entre un hombre y una mujer faltos de compañía es lo de menos cuando se está ante semejante proeza cinematográfica.

Fejos fue uno de los pioneros en el uso de sonido y color en el cine. Para el 1928, los “talkies” –como se le decían a las películas en las que hablaban- comenzaron a ser muy populares, por lo que el director incluyó tres escenas en Lonesome en la que los personajes se expresan verbalmente. Las mismas no aportan mucho pero no dejan de marcar un hito en la historia del cine.

Más impresionante resulta el uso de color por parte de Fejos para dar vida de noche a la feria de Coney Island. Las transiciónes de blanco y negro a color deben haber sido una maravilla para las audiencias de esa época, y aún hoy guardan un tipo de magia que trasciende el paso del tiempo.

Presentación audiovisual

Lonesome jamás se iba a ver inmaculada en alta definición, pero el simple hecho de que la podamos tener en un formato casero es un pequeño milagro. Presentada en su formato original 1.19:1 en resolución 1080p, la copia muestra claramente señales de deterioro típicas del paso del tiempo y la manera como se preservó. La imagen contiene muchos rasguños y sucio, pero considero que esto sólo abona a la experiencia, mientras que los momentos a color lucen muy bien dentro de todo.

El  audio en formato 1.0 Mono también es típico de un filme tan viejo, con un poco de distorsión y poca claridad. Pero fuera de las secuencias que son habladas, mayormente es musical para servir de acompañamiento.

Extras

La pista de comentario por el historiador cinematográfico Richard Koszarski es excelente y una de las mejores que he escuchado. Koszarski  ofrece el contexto necesario para apreciar Lonesome aún más.

Además de Lonesome, se incluyen otros dos trabajos de Fejos: The Last Performance y Broadway, ambas de 1929. La secuencia final de Broadway es un elaborado número musical a color que resulta impresionante para la época.

Fejos Memorial es un vídeo ensayo que combina grabaciones en audio del propio cineasta con imágenes de éste. Fejos lo realizó en 1962.

El cinematógrafo de Broadway, Hal Mohr, habla sobre su trabajo en el largometraje en una entrevista en audio que fue grabada en 1973.

Por último, tenemos un panfleto de 33 páginas con varios ensayos sobre Lonesome, la corta carrera de Fejos y extractos de una entrevista que se le hizo en 1962.

Weekend

Dos personas se conocen y conversan. Dos personas se acuestan, despiertan y conversan un poco más. Dos personas se enamoran, aunque ninguna de las dos lo confiesa. Lo que distingue a Weekend de cientos de otros romances que siguen este patrón es que las dos personas son hombres.

Weekend, del director Andrew Haigh, fue uno de los estrenos más celebrados por la crítica en el 2011. Lo vi por primera vez a finales del año pasado por Netflix y me tomó por sorpresa la franqueza del guión de Haigh, compuesto mayormente por las conversaciones entre los protagonistas, “Russell” (Tom Cullen), un tímido e inseguro salvavidas, y “Glen” (Chris New), un hombre exitoso que posee la confianza que “Russell” carece.

Mientras “Glen” no esconde el hecho de que es homosexual, “Russell” aún lo esconde. A la mañana siguiente de conocerse en una barra y acostarse juntos, “Glen” confronta a “Russell” con una serie de preguntas para un proyecto en el que está trabajando. Con grabadora en mano, le pide que le explique cómo se sintió cuándo lo conoció, cómo se siente ahora, entre otras preguntas de carácter personal.

Haigh escribe un diálogo lleno de sinceridad que se siente genuino, como capturado en el momento. Los interesantes parlamentos cobran vida gracias a las excelentes actuaciones de Cullen y New, quienes logran convencer como amantes obligados a suprimir el potencial de sus deseos cuando uno de ellos le pone un breve periodo expiración a su inesperada relación.

El final es melancólico, evocativo de otros de los mayores romances del cine, como In the Mood for Love y Before Sunrise, películas con las que comparte cualidades. La primera por su clásico erotismo y la segunda por el fantástico sentimiento que brinda el conocer a una persona con la que conectas inmediatamente en todos los niveles.

Presentación audiovisual

Con el sello de aprobación del director Andrew Haigh y el cinematógrafa Ula Pontikos, Criterion presenta Weekend en su formato original 1.85:1 en resolución 1080p. La transferencia de digital a digital luce muy bien con tan sólo algunos problemas de contraste en las escenas nocturnas, algo típico del formato. El nivel de detalle es excelente, particularmente en los close-ups que son de tanta importancia para la efectividad de la cinta.

Sólo se incluye una pista de audio en inglés 2.0 DTS-HD Master Audio con opción de subtítulos en inglés. Al ser una película completamente dialógica, el canal central recibe la mayor atención sin mayor dinamismo en los laterales.

Extras

En un programa de media hora creado exclusivamente por Criterion en el 2012, el director Andrew Haigh, el productor Trista Goligher, los actores Tom Cullen y Chris News y la cinematógrafa Ula Pontikos hablan sobre la producción de Weekend y lo que la película significa para ellos.

The Sex Scenes es un segmento de siete minutos dedicado a la filmación de las escenas sexuales.

También se incluyen los vídeos de la audición de Cullen y News en el que interpretan dos escenas de la película.

News tuvo una cámara con él mientras se filmaba Weekend cuyo material se recopila en nueve minutos en el segmento aptamente titulado Chris New’s Footage.

Haigh encontró inspiración en la fotografía del dúo Quinnford + Scout para el look de Weekend. El disco contiene un breve foto ensayo de los fotógrafos en el que estos hablan sobre su trabajo y experiencia durante la filmación de la película.

Además, tenemos dos cortometrajes dirigidos por Haigh (Cahuenga Blvd. Y Five Miles Out), el tráiler de Weekend y el panfleto con un ensayo escrito por el crítico Dennis Lim.

Nota final

¡Uff! Parecía que no pero sí hay un final a este extenso texto. Tanto Umberto D. como Weekend son dos películas que les podría recomendar a ciegas que añadan a sus colecciones, pero si no están muy seguros, al menos la segunda la pueden ver antes por Netflix. Lonesome y Le Havre diría que es mejor alquilarlas primero. En lo que sí coinciden las cuatro es en el nivel de calidad que estamos acostumbrados a esperar de Criterion. Después de todo, sí tienen algún en común.